［摘要］中國傳統繪畫歷史悠久，文化內涵深厚。將傳統繪畫藝術的精髓融入陶瓷工藝中，不僅能提升陶瓷作品的藝術性和視覺美感，而且能拓寬傳統繪畫的藝術表現形式，使陶瓷藝術的表現范圍和藝術意境得到拓寬。現對陶瓷工藝的相關特點進行分析，探討傳統繪畫對陶瓷裝飾的影響。

［關鍵詞］傳統繪畫；陶瓷裝飾；影響；表現手法；融合

我國傳統繪畫藝術有著悠久的歷史，將其與傳統繪畫藝術相結合，能夠將傳統繪畫藝術的時代特點充分展現出來。在陶瓷工藝的發展過程中，根據不同時代背景，不斷創新陶瓷工藝的表現形式，陶瓷工藝在融合傳統繪畫藝術的同時也融入了時代特點，從而實現兩者之間的共同發展。

一、傳統繪畫與陶瓷裝飾的結合

唐代以前，所謂純粹的繪畫發展得還不是很成熟，至宋元時期，隨著繪畫材料的豐富、文人的積極參與，繪畫藝術得到了很大的發展。傳統繪畫大多是運用毛筆、水墨配合顏料和宣紙來進行創作，而且在傳統繪畫的創作過程中，人們采用不同的表現手法、使用不同的繪畫材料將傳統繪畫分為不同的種類。根據傳統繪畫的不同表現形式可以將傳統繪畫分為工筆畫、寫意畫、白描畫和水墨畫等。除此之外，人們在創作過程中還可以根據畫作不同的表現內容，將中國畫分為山水畫、人物畫以及花鳥畫等。傳統繪畫在內容表現方面相當豐富，同時繪畫的表現形式也是多種多樣。中國傳統繪畫的創作與時代背景和社會形態有著重要的關系。例如，宋代是我國歷史上比較重視書畫的一個朝代，同時也是古代陶瓷發展的鼎盛期，創作了大量精美的瓷器，其裝飾題材以折枝花為主。宋瓷上的牡丹花紋構圖嚴謹、姿態生動、變化適度、造型優美，創作了“喜相逢”的圖案構成形式，別具風采。元代青花瓷器色彩單一、簡潔。明代瓷器上的繪畫則是當時裝飾藝術的最高點。中國傳統繪畫在不同的時代背景下表達了不同的繪畫特點，能夠準確地傳達出當時的社會生活，再加上受到當時宗教和經濟文化的影響，使得傳統繪畫體現出人們對美好生活的向往。

二、傳統繪畫在陶瓷裝飾中的應用

【摘要】今天，我們面對不斷發展的現實世界，以及國外的各種藝術思潮對中國傳統藝術帶來的沖擊，新思想、新觀念的不斷涌現。如何認識傳統繪畫造型藝術與現代藝術設計的關系，成為當下設計應認真研究的課題。如果完全背離傳統藝術形式，一味模仿西方的現代藝術，惟西方現代藝術馬首是瞻，簡單地挪用西方現代藝術形式，將使我們的藝術喪失民族的個性。

【關鍵詞】傳統繪畫藝術現代藝術設計

從我國文化發展的歷史經驗來看，一個國家、一個民族文化的發展，要立于不敗之地，就要勇于吸收，敢于繼承，善于交融。無論是從我國早期華夏文化的形成直至達到兩漢文化的高峰，還是盛唐文化受到西域、印度文化的影響而發揚光大，無不表明，只有勇于吸收，才能發展，只有敢于繼承、善于交融才能最終真正成為自己文化的主人。在藝術設計方面我們也還是應該“立足中華、面向世界”，既要尊重民族藝術的獨特性，體現中華民族的審美心理，又要反映現代人的內在精神追求。在藝術設計中，我們也要“尋根”，尋找我們中華民族傳統文化中為其他民族所不及的思維優勢和獨特風采。藝術始終要講內在的延續，一種藝術形式的產生及被容納，需要特定的歷史文化背景，其中包括一個民族的生活方式、習俗、倫理道德、審美習慣等，構成潛在的深層文化結構，深鎖于民族的心理和精神之中，調節和制約著民族文化的發展和外來文化的介入。在中國設計者的作品中，時時流露出傳統繪畫造型藝術潛移默化的影響。分析這些影響，肯定某些積極的因素，將會有助于發展中國藝術設計。下面就從這個角度進行一定的剖析。

遠在原始社會，我們的祖先就已在生活中孕育了繪畫的胚胎，從已由仰韶文化為代表的新石器時期所產生的彩陶藝術所描繪的魚紋、人面紋及花葉紋等裝飾圖形，至明清時期的文人繪畫，我們會發現從原始社會的圖形符號一直到封建社會晚期的各類繪畫藝術，總有一些永恒的主題，而在這些主題之中，“形”的表現往往是中國歷史藝術家借以傳情達意的一種外在形式，也就是古代畫論所說的“以形傳神”、“借物詠志”。中國畫藝術家在表現某一種自然物象時，更多地是注重與“形”所蘊涵地精神意義，而不是對自然物象作物理形態的外形模寫。正因如此，中國傳統繪畫藝術在自然物象的描繪中往往融入了更多的“理性”色彩，將自然物象之形抽象為一種圖式化的符號語言。

現代藝術設計它不同于架上油畫或版畫，它要求一目了然，簡潔明確，集中概括的設計已逐漸成為主流。為了達到這個目的，現代藝術設計往往采取一系列假定手法，突出重點，刪去次要的細節、細部，甚至背景，并可以把各個不同的比例，把在不同時間、空間發生的活動組合在一起。并運用象征手法，啟發人們的聯想。因此，它的構思要能超載現實，構圖要概括集中，形象要簡練夸張，要以強烈鮮明的色彩為手法，突出醒目地表達所要宣傳的事物，賦予畫面更廣泛的含義并使人們在有限的畫面中能聯想到更廣闊的生活，感受到新的意義。在這些方面，中國繪畫講究構思上的“以一當十”、“以少用多”，構圖上“計白當黑”等審美追求能為平面設計師提供大量的營養。這已經在我國藝術設計中得到充分體現。如香港著名平面設計大師靳埭強，創作了大量文化招貼。他認為，美的原則有三條：立意——意念先行，以形取神：創新——承先啟后，破舊立新；活用——適身合用，靈活生動。這實際上強調的也是老莊的哲學思想，也是中國山水畫的表現意境。他的許多作品都無一例外地體現了中國傳統文化的精髓，并融合西方現代設計的理念，其招貼設計《自在》系列運用了中國的水墨畫技法，又融合了現代技術的特殊肌理效果。“水—生命—文化”招貼圖形作品，更構筑了一幅在中國特定大文化場景下的具有視覺沖擊力的現代平面圖形設計作品。2008年的深奧標志也可以說是一個很好的范例，整個標志造型沒有對傳統造型的直接借用，而是運用了中國特有的介于似與不似之間的寫意手法，恰到好處的傳遞出“中國結”和“運動員”兩個意象。中國傳統藝術講究均衡和內在的節律，我國篆刻藝術中有所謂“疏可走馬、密不透風”的布局法則，強調變化中的均衡，這既符合科學上相對的原理，也符合藝術上形式美的規律。在我國的藝術設計作品中，動與靜、疏與密、多樣統一、賓主呼應、虛實相生、縱橫曲直、黑白對比、重疊交錯等傳統構圖法則中也屢見不鮮。此外，遠古的銅器紋樣、畫像石、金石篆刻等，特別是中國畫，巧妙的運了用白底的匠心。民間剪紙和蘭花布粗獷豪放的黑白關系、明代木刻插圖的疏密聚散、都可以在現代招貼藝術的構圖中得到印證。西方傳統藝術，基于幾何學空間觀念，從模擬生活現象入手，借以展示作者的創作思想。中國藝術家則以“不似之似”、“脫形寫神”為藝術追求的勝境。這些師法自然，來源于生活但又經過千錘百煉，概括而又多變的“程式”是一種經過高度提煉的美的精華，是沉淀了內容要求的形式之美。正因為如此，它才具有無窮的生命力。藝術家隨著時代的要求，賦予它新的活力，常用而常新，這種程式化的處理在我國招貼畫的裝飾性形象處理上，也常得到應用，顯示了奪目的光彩。齊白石曾提出“作畫妙在似與不似之間”的著名論斷，我們的一些招貼畫，就“似與不似”的觀點來考察，很多形象顯然不是生活的簡單模仿，而是由復雜到單純，由繁雜到簡潔的可貴提升。靳埭強招貼作品“金、木、水、火、土”招貼圖形設計，也充分顯示了這種文化精神，縈繞著極其強烈的現代主義設計的精神光環。陳幼堅包裝設計作品“奇禮”，靳埭強包裝設計作品“雙妹花露水”。設計者對中國的文化傳統有深刻的理解，對中國傳統觀念在設計中的應用揮灑自如。由于藝術設計的特征，決定了裝飾色彩在設計畫面上所起到的作用。裝飾色彩具有一定的主觀性，宋代蘇軾曾畫朱竹，有人責難他，難道有紅色的竹子嗎？他反問：難道有黑色的竹子么？意思是既然大家對“墨竹”習以為常，為什么不允許畫朱竹呢？這說明傳統美學觀中對色彩的主觀想象是允許的，而且是必要的。但這種主觀想象不等于主觀臆造，裝飾色彩同樣來源于生活實踐，同樣需要從客觀事物中吸取營養。這正是包裝畫面所刻意追求的。“意足不求顏色似”說明了這種關系。人們常從彩蝶、霓虹、彩霞等自然色彩受到啟發而創造出色彩絢麗的裝飾效果。裝飾色彩的主觀性使某些聯想，將自然景色“擬人化”。傳統中國畫中也經常把荷花畫得紅艷艷得，荷葉只用淋漓得水墨，面對這些形象，人們自然會覺得所畫的水墨葉子是綠色的。在藝術設計作品上，常常也有這樣的例證，一張藍色的畫面，上面畫幾束燦爛的焰火，這塊藍色自然會被人接受為深邃的藍天。同樣是藍色的底色，畫上幾塊白色的三角帆影，這塊藍色又會被人們視為無邊的海洋。一張綠色的畫紙上畫一對嬉戲的小羊，這綠色就成了如茵的草坪。正因為只是單純的底色，空間更大了，給人的聯想更多了。

一、關于影像藝術的“基因性”問題

丹尼爾·貝爾的斷言大家早已耳熟能詳：“當代文化正在變成一種視覺文化，而不是印刷文化，這是千真萬確的事實。”①當影像符號的書寫、表達、接受和理解日益成為重要的傳播手段與生存方式的時候，國內“大多數視聽從業者，仍然不懂視聽語言的基本規律和思維方式。他們的思維方式仍然屬于傳統藝術語言的思維方式尤其是文學的思維方式”。②著名欄目《東方時空》甚至需要從景別、軸線這些最基本的概念開始，訓練自己的創作隊伍。③在電影界，類似批評也不絕于耳：“我們目前有很多影片的電影語言太陳舊了。”④“如何解決好敘事問題，已經成為中國電影不可回避的課題”。⑤近年火爆上演的《夜宴》、《無極》、《英雄》等大片雖然標志著中國電影工業在運作機制上與好萊塢逐漸接軌，但在原創性、敘事力、影像造型等方面卻多受詬病。《無極》被指責“故事單調，內容太空”⑥；《夜宴》則“顯出中國導演對電影語言審美感悟及表現力的貧乏”。⑦有人甚至認為以陳凱歌、張藝謀為代表的第五代導演“具有敘事上的基因性缺陷”。⑧那么，我們的影像文化是否真的存在某些基因性問題呢？在視覺素養日漸受到關注的今天，我們嘗試從一些基礎性問題上展開對我們視覺文化傳統的思考和審視。

由于視覺藝術的相通性，不同藝術形式的視覺思維方式和表現方式也具有內在的穩定性和承傳性，并積淀到我們的視覺語言中。繪畫是中國傳統文化中主要的視覺藝術形式，它與影像藝術都是在二維空間創造三維形象，關系密切。因此我們認為，作為影像精神具體體現的機械復制技術，正如本雅明所言——“與繪畫作一下比較仍然是有意義的”。⑨我們嘗試在東西方繪畫藝術的發展中挖掘一些本源性的元素，試圖從中尋找影響國人影像素養的一些原因。

二、對東西方傳統視覺觀念的反思

通過光電轉化或光影轉化，影像符號被看做真實物象的摹寫，是物質世界的復原和現實的漸進線。從再現特征來看，影像更接近西方視覺藝術的寫實傳統。從亞里士多德的模仿說開始，西方的雕塑、古典繪畫在透視、明暗、色彩等方面始終追求對真實的摹寫。從13世紀到巴羅克時期，寫實繪畫追求形似。安·馬爾羅認為，“巴羅克藝術拼命追求的，不是改變畫面本身，而是一種連環畫。一門藝術如此迷戀于劇場性效果并求助于表情動作和情緒，它最后以電影為歸宿是毫不足怪的”。⑩到文藝復興初期西方美術家寫實之風漸盛，達·芬奇甚至“拜鏡子為師”，并在其《畫論》中聲稱：“最可夸獎的繪畫是最能形似的繪畫。”到十七八世紀，荷、意畫家設計“暗箱”作為繪畫輔助工具，到19世紀后半期，寫實繪畫更是發展壯大形成體系。因此有學者言：“西方繪畫從文藝復興期以來趨于寫實而接近攝影術，實在是一股十分強大的歷史潮流。”(11)西方古典繪畫所積淀的深厚的寫實精神和精湛的寫實技巧為旨在“再現物質世界”的影像藝術做了精神和物質上的鋪墊。

在中國，《墨經》上雖然有光學八條，漢武帝時有燈影戲的傳說，〔宋〕沈括《夢溪筆談》、〔元〕趙友欽《革象新書》中進一步解析過光學折射現象，但是上述觀念像中國其他萌芽狀態的科技思想一樣，最終沒能促成現代影像技術的誕生。作為一種重要的視覺藝術形式，兩千多年來傳統中國繪畫中所折射出的美學思想和審美方式，與直接催生了“完美復制現實”影像技術的歐洲視覺藝術思想有相當大的差異。可以說，在一些基本特點上，中國人與歐洲人在影像認知上的差異，與傳統中國繪畫和西方繪畫的差異存在某種精神上的一致性。

1中國傳統繪畫在現代平面設計中應用的可行性和必要性

我國傳統繪畫具有濃厚的藝術積淀,其利用毛筆、水墨充分的傳達出了具有東方審美特質的藝術美感,是審美價值和藝術造詣是后人難以企及,而不得不加以利用的藝術瑰寶;最后,將中國傳統繪畫結合到現代平面設計中去,符合東方人的審美標準,能夠更好的實現平面設計所追求的的市場效果,同時,中華文明在世界上傳播度的日益提高也是對現代平面設計提出的新命題和信要求,因而在現代平面設計中充分的結合中國傳統繪畫元素不僅能夠更好的實現平面設計的最終目標,也是時代的必然要求。中國傳統繪畫在現代平面設計中的應用對現代平面設計的發展及我國綜合國力的提升有重大的意義。當今世界的競爭不僅是政治和經濟的競爭,更是文化的角逐。中國擁有最為悠久的文明,如何充分的發揮既有的優勢并加以發揚光大是我國當展所必須關注的焦點。中國傳統繪畫元素在現代平面設計中的應用正是以平面設計為載體傳承文明的良好途徑,不僅提升了設計的藝術品位,增強了平面設計的水平和競爭力,也為我國文化軟實力的增強添磚加瓦,促進我國綜合國力的提升。

2中國傳統繪畫在現代平面設計中的具體應用

中國傳統繪畫主要通過線和墨傳遞美感和思想,繪畫的精髓也反映了中國傳統儒家思想中的中庸與和諧,表現了中華民族所獨有的審美特質。以著名美術大師韓美林的作品為例,他與陳紹華一起為中國北京申奧設計的會徽,就是一個傳統繪畫藝術元素與現代設計思想完美結合的經典設計。會徽中將藍、黑、紅、黃、綠奧運五環的五種顏色組成五角星形狀,以中國傳統手工藝品的“盤長”方式互相環扣,以中國傳統繪畫的筆跡為表現方式,暗含了中國傳統文化中“同心結”或“中國結”,寓意團結、合作與交流,其圖案同時又仿佛是一個人打太極拳的動感姿態,表現了中國傳統體育文化的精神。再如陳幼堅的作品“前衛新形象設計公司”的標志,上部的“一”用中國傳統繪畫中線的表現手法,下部的圓則是利用現代電腦技術處理的幾何圖形,將兩種不同的時代手法完美融合,增強了畫面的對比度,勾起觀者無限的想象:仿佛一縷彩云輕撫于紅日之上,使筆觸的效果產生一種獨特的動感美,而圓形自身具有的靜態美,二者動靜結合,虛實相對,升華了中國傳統繪畫藝術中的線墨美感。

3結語

民族的才是世界的,中國傳統繪畫元素在現代平面設計中的應用具有高度的時代性和必要性,同時滿足了傳統文明和當代技術發展的需要,對我國現代平面設計的特色發展道路有重要的意義。認真分析傳統文化元素與當代平面設計的異同,找到其中結合點,發揮傳統繪畫的優秀部分并應用到現代平面設計中去,使現代平面設計的發展具備中國特色的獨特性,提高我國平面設計作品的國際競爭力,同時弘揚中華民族的優秀民族文化,增強我國文化軟實力,從而促進綜合國力的提升。

一、關于影像藝術的“基因性”問題

丹尼爾·貝爾的斷言大家早已耳熟能詳：“當代文化正在變成一種視覺文化，而不是印刷文化，這是千真萬確的事實。”①當影像符號的書寫、表達、接受和理解日益成為重要的傳播手段與生存方式的時候，國內“大多數視聽從業者，仍然不懂視聽語言的基本規律和思維方式。他們的思維方式仍然屬于傳統藝術語言的思維方式尤其是文學的思維方式”。②著名欄目《東方時空》甚至需要從景別、軸線這些最基本的概念開始，訓練自己的創作隊伍。③在電影界，類似批評也不絕于耳：“我們目前有很多影片的電影語言太陳舊了。”④“如何解決好敘事問題，已經成為中國電影不可回避的課題”。⑤近年火爆上演的《夜宴》、《無極》、《英雄》等大片雖然標志著中國電影工業在運作機制上與好萊塢逐漸接軌，但在原創性、敘事力、影像造型等方面卻多受詬病。《無極》被指責“故事單調，內容太空”⑥；《夜宴》則“顯出中國導演對電影語言審美感悟及表現力的貧乏”。⑦有人甚至認為以陳凱歌、張藝謀為代表的第五代導演“具有敘事上的基因性缺陷”。⑧那么，我們的影像文化是否真的存在某些基因性問題呢？在視覺素養日漸受到關注的今天，我們嘗試從一些基礎性問題上展開對我們視覺文化傳統的思考和審視。

由于視覺藝術的相通性，不同藝術形式的視覺思維方式和表現方式也具有內在的穩定性和承傳性，并積淀到我們的視覺語言中。繪畫是中國傳統文化中主要的視覺藝術形式，它與影像藝術都是在二維空間創造三維形象，關系密切。因此我們認為，作為影像精神具體體現的機械復制技術，正如本雅明所言——“與繪畫作一下比較仍然是有意義的”。⑨我們嘗試在東西方繪畫藝術的發展中挖掘一些本源性的元素，試圖從中尋找影響國人影像素養的一些原因。

二、對東西方傳統視覺觀念的反思

通過光電轉化或光影轉化，影像符號被看做真實物象的摹寫，是物質世界的復原和現實的漸進線。從再現特征來看，影像更接近西方視覺藝術的寫實傳統。從亞里士多德的模仿說開始，西方的雕塑、古典繪畫在透視、明暗、色彩等方面始終追求對真實的摹寫。從13世紀到巴羅克時期，寫實繪畫追求形似。安·馬爾羅認為，“巴羅克藝術拼命追求的，不是改變畫面本身，而是一種連環畫。一門藝術如此迷戀于劇場性效果并求助于表情動作和情緒，它最后以電影為歸宿是毫不足怪的”。⑩到文藝復興初期西方美術家寫實之風漸盛，達·芬奇甚至“拜鏡子為師”，并在其《畫論》中聲稱：“最可夸獎的繪畫是最能形似的繪畫。”到十七八世紀，荷、意畫家設計“暗箱”作為繪畫輔助工具，到19世紀后半期，寫實繪畫更是發展壯大形成體系。因此有學者言：“西方繪畫從文藝復興期以來趨于寫實而接近攝影術，實在是一股十分強大的歷史潮流。”(11)西方古典繪畫所積淀的深厚的寫實精神和精湛的寫實技巧為旨在“再現物質世界”的影像藝術做了精神和物質上的鋪墊。

在中國，《墨經》上雖然有光學八條，漢武帝時有燈影戲的傳說，〔宋〕沈括《夢溪筆談》、〔元〕趙友欽《革象新書》中進一步解析過光學折射現象，但是上述觀念像中國其他萌芽狀態的科技思想一樣，最終沒能促成現代影像技術的誕生。作為一種重要的視覺藝術形式，兩千多年來傳統中國繪畫中所折射出的美學思想和審美方式，與直接催生了“完美復制現實”影像技術的歐洲視覺藝術思想有相當大的差異。可以說，在一些基本特點上，中國人與歐洲人在影像認知上的差異，與傳統中國繪畫和西方繪畫的差異存在某種精神上的一致性。

摘要：傳統與創新在繪畫的發展過程中始終存在兩種現象：一種是把傳統看成是一切創造的基礎，認為學好傳統，個性創造會自然流露，于是束縛于傳統，不接受新的觀念；一種觀點是不重視傳統，不肯在傳統上下工夫，急于出新，認為傳統是累贅，甚至否定傳統。文章通過闡述一味繼承傳統、因循守舊或一味拒絕傳統、單純追求個性探索，都是藝術道路上的誤區，最終得出繼承與創造是不能完全割裂，只有繼承傳統并從中尋求突破，才是真正意義上的創造。

關鍵詞：傳統的繼承個性創造墨守成規

關于傳統與創新似乎已是老生常談。對它們的把握許多人容易在不知不覺中走向偏頗，重視一方面而輕視另一方面。有的“藝術家”研究了一輩子的傳統也沒有形成自己的風格，頑固守舊。不愿直面現實生活的美術家，他的審美觀念永遠得不到更新的機會，只能停留在陳舊和保守的基礎上，他的藝術情趣因此也會顯得與時代格格不入，也就談不上創新了。也有的“畫家”對傳統的精華尚是一知半解，就忙著搶奪“觀念”，標榜“創新”，常是在建立空中樓閣，“墻上蘆葦根基淺”，經不起時間的推敲和考驗，這兩種人其實都走入了誤區。傳統是一定要繼承和發展的，任何事物都有其產生發展延續的過程，個性創造、風格的形成是我們對藝術追求的目標，但只一味地繼承或一味追求出新都不能真正形成自己的風格。

什么是傳統？傳統就是一種已經形成并對后世發生影響的東西。在藝術范圍內，可以說傳統是極為重要的，無論是東方的還是西方的，傳統都在影響我們，因此我們必須正視和研究它。繼承發揚有利于藝術發展的因素，清除掉阻礙藝術發展的因素，真正能吃透傳統的應當是精神非常強大的人，他既不畏懼于西方現代藝術觀念的涌入，也不非難各種對傳統的批評。只有這樣，我們才能夠既吸收前人的養分，又不為之所困，始終以明智開放的心態去學習和創作，使我們的藝術更加飽滿充實。

中國繪畫從古典形態轉變為現代形式，始終沒有離開繼承傳統藝術的精神脈搏，只有這樣，才能創作出真正有生命力的感動人的作品。有人主張完全擺脫自然和文化傳統的束縛，也就是完全割裂傳統的繼承與開拓創造的關系。事實上這是不可能的，如果我們過于夸張個性，這種個性一定是單薄和短命的。我們從西方繪畫史了解到：無論是野獸派、表現派還是立體派，不論其造型方法如何各異或者表現主觀感受的程度如何不同，他們最終都有一個明顯的繼承脈絡。

人類浩瀚的優秀文化成果就像展現在我們面前的山花爛漫的原野，每個人都可以根據自己的需要去采摘，從而發展自己的藝術風格。回顧整個中外藝術史，有哪位大師不是踏著前人的肩頭向上登攀的？獨創性總是相對而言的，歷史上沒有絕對的、憑空的獨創性的東西。藝術史上所保留下來的，是一個個相互關聯的環節，這些環節織成一張大網，每一種藝術品在此都有一席之地，這張網就是傳統，沒有傳統也就沒有創新。傳統提供出一塊堅實的平臺，以便使藝術家向上跳躍，跳躍的結果構成另一高度，又成為下一跳躍的基礎。我們判斷一件作品是否有創造，也是基于傳統框架下決定的。我們更應認識到，開拓創造是藝術傳統得以發展的動力，只一味墨守成規那是對傳統作無意義的重復，更難言發展了。傅抱石先生曾說過：“時代變了，筆墨不得不變”。其意義就在于他認識到了傳統的真正精神所在的同時，也認識到突破傳統的重要性。正因為他的這種認識，才使他創造出了“抱石皴”，事實上傳統在其發展的過程中，也包容了諸多逆傳統而行的因素，才使傳統變得愈加豐厚。中國水墨在其發展過程中不也出現過如徐渭、石濤、林風眠這些不守成法的藝術家嗎？中國傳統的精神歷來是寬容創造鄙視守舊的。歷史證明，守成型的畫家多，開拓型的畫家少，但美術史總是由開拓型的畫家來書寫的。

一、關于影像藝術的“基因性”問題

丹尼爾·貝爾的斷言大家早已耳熟能詳：“當代文化正在變成一種視覺文化，而不是印刷文化，這是千真萬確的事實。”①當影像符號的書寫、表達、接受和理解日益成為重要的傳播手段與生存方式的時候，國內“大多數視聽從業者，仍然不懂視聽語言的基本規律和思維方式。他們的思維方式仍然屬于傳統藝術語言的思維方式尤其是文學的思維方式”。②著名欄目《東方時空》甚至需要從景別、軸線這些最基本的概念開始，訓練自己的創作隊伍。③在電影界，類似批評也不絕于耳：“我們目前有很多影片的電影語言太陳舊了。”④“如何解決好敘事問題，已經成為中國電影不可回避的課題”。⑤近年火爆上演的《夜宴》、《無極》、《英雄》等大片雖然標志著中國電影工業在運作機制上與好萊塢逐漸接軌，但在原創性、敘事力、影像造型等方面卻多受詬病。《無極》被指責“故事單調，內容太空”⑥；《夜宴》則“顯出中國導演對電影語言審美感悟及表現力的貧乏”。⑦有人甚至認為以陳凱歌、張藝謀為代表的第五代導演“具有敘事上的基因性缺陷”。⑧那么，我們的影像文化是否真的存在某些基因性問題呢？在視覺素養日漸受到關注的今天，我們嘗試從一些基礎性問題上展開對我們視覺文化傳統的思考和審視。

由于視覺藝術的相通性，不同藝術形式的視覺思維方式和表現方式也具有內在的穩定性和承傳性，并積淀到我們的視覺語言中。繪畫是中國傳統文化中主要的視覺藝術形式，它與影像藝術都是在二維空間創造三維形象，關系密切。因此我們認為，作為影像精神具體體現的機械復制技術，正如本雅明所言——“與繪畫作一下比較仍然是有意義的”。⑨我們嘗試在東西方繪畫藝術的發展中挖掘一些本源性的元素，試圖從中尋找影響國人影像素養的一些原因。

二、對東西方傳統視覺觀念的反思

通過光電轉化或光影轉化，影像符號被看做真實物象的摹寫，是物質世界的復原和現實的漸進線。從再現特征來看，影像更接近西方視覺藝術的寫實傳統。從亞里士多德的模仿說開始，西方的雕塑、古典繪畫在透視、明暗、色彩等方面始終追求對真實的摹寫。從13世紀到巴羅克時期，寫實繪畫追求形似。安·馬爾羅認為，“巴羅克藝術拼命追求的，不是改變畫面本身，而是一種連環畫。一門藝術如此迷戀于劇場性效果并求助于表情動作和情緒，它最后以電影為歸宿是毫不足怪的”。⑩到文藝復興初期西方美術家寫實之風漸盛，達·芬奇甚至“拜鏡子為師”，并在其《畫論》中聲稱：“最可夸獎的繪畫是最能形似的繪畫。”到十七八世紀，荷、意畫家設計“暗箱”作為繪畫輔助工具，到19世紀后半期，寫實繪畫更是發展壯大形成體系。因此有學者言：“西方繪畫從文藝復興期以來趨于寫實而接近攝影術，實在是一股十分強大的歷史潮流。”(11)西方古典繪畫所積淀的深厚的寫實精神和精湛的寫實技巧為旨在“再現物質世界”的影像藝術做了精神和物質上的鋪墊。

在中國，《墨經》上雖然有光學八條，漢武帝時有燈影戲的傳說，〔宋〕沈括《夢溪筆談》、〔元〕趙友欽《革象新書》中進一步解析過光學折射現象，但是上述觀念像中國其他萌芽狀態的科技思想一樣，最終沒能促成現代影像技術的誕生。作為一種重要的視覺藝術形式，兩千多年來傳統中國繪畫中所折射出的美學思想和審美方式，與直接催生了“完美復制現實”影像技術的歐洲視覺藝術思想有相當大的差異。可以說，在一些基本特點上，中國人與歐洲人在影像認知上的差異，與傳統中國繪畫和西方繪畫的差異存在某種精神上的一致性。

論文關鍵詞：傳統繪畫形象造型特征

論文摘要：中國傳統繪畫的形象與造型特征主要體現在用筆的書法性、空間的虛擬性、物象的程式性、主體的意象等個方面。這些特征和傳統文化、使用工具等因素有著密切的關系。

形象與造型，在某種意義上是同義詞。人們習慣用“造型”表示無生命物體的形象，而“形象”多注重指人物精神內涵層面。廣義上講，無論是人還是物在繪畫中均可視為一種“形象”．也可稱為“造型”。中國傳統繪畫基于文化基礎和使用工具等因素，其形象與造型具有獨特性．主要表現在以下幾個方面：

一、用筆的書法性

中國漢字至今仍保留著原始繪畫的痕跡。像這樣將文字與繪畫有機結合起來的形象，在其他國家的藝術中非常少見。唐代張彥遠的《歷史名畫記》記載：“顏光祿日：‘圖載之意有三：一日圖理，封象是也；二日圖識。字學是也；三日圖形，繪圖是也。’又《周官》教國子以‘六書’，其三日‘象形’，‘圖畫之意也，濕書畫異名而同體也。”“書畫同體”的藝術理論，對此后的中國畫影響深遠。這一理論體現在中國傳統水墨畫中，就是用筆的書法性與繪畫造型的有機結合。再如花鳥畫，近代吳昌碩與現代齊白石的花鳥畫比較接近，但在用筆上，吳昌碩以篆書的圓筆入畫，齊白石則常用側鋒方筆，他們的作品都體現出典型的書法性。

形成這一特性的原因有以下幾個方面：

論文關鍵詞：寫，繪畫，書法，比較

論文摘要：“寫”具有抒發傾吐、描繪描寫、書寫、傾瀉疏導、移置搬運等多種含義。對于中國傳統繪畫和書法來說，“寫”都是指一種落筆肯定、筆跡和作者當下的內心狀態有緊密對應關系的運動和狀態。

“寫”是中國書法和文人畫領域的核心范疇之一，是書畫品評的重要標準。在中國的藝術理論中，無論是“形而下”的技法操作層面，還是“形而上”的主體審美層面，“寫”都有所指涉。但究竟什么是“寫”?現有著述中并沒有完整系統的論述，散見的主張又多有側重，并不一致。有鑒于此，筆者試著從幾個方面對“寫”進行一些梳理和分析，以期整理出“寫”在繪畫和書法中的具體所指和用法，希望能對讀者更明確地認識“寫”有所幫助。

一、“寫”的詞義辨析

在對“寫”的含義考證方面，大型的字詞典做的都比較充分，例如《漢語大詞典》中“寫”就有十六種注釋:

1.發三聲的“寫”有12種注釋

摘要：傳統與創新在繪畫的發展過程中始終存在兩種現象：一種是把傳統看成是一切創造的基礎，認為學好傳統，個性創造會自然流露，于是束縛于傳統，不接受新的觀念；一種觀點是不重視傳統，不肯在傳統上下工夫，急于出新，認為傳統是累贅，甚至否定傳統。文章通過闡述一味繼承傳統、因循守舊或一味拒絕傳統、單純追求個性探索，都是藝術道路上的誤區，最終得出繼承與創造是不能完全割裂，只有繼承傳統并從中尋求突破，才是真正意義上的創造。

關鍵詞：傳統的繼承個性創造墨守成規

關于傳統與創新似乎已是老生常談。對它們的把握許多人容易在不知不覺中走向偏頗，重視一方面而輕視另一方面。有的“藝術家”研究了一輩子的傳統也沒有形成自己的風格，頑固守舊。不愿直面現實生活的美術家，他的審美觀念永遠得不到更新的機會，只能停留在陳舊和保守的基礎上，他的藝術情趣因此也會顯得與時代格格不入，也就談不上創新了。也有的“畫家”對傳統的精華尚是一知半解，就忙著搶奪“觀念”，標榜“創新”，常是在建立空中樓閣，“墻上蘆葦根基淺”，經不起時間的推敲和考驗，這兩種人其實都走入了誤區。傳統是一定要繼承和發展的，任何事物都有其產生發展延續的過程，個性創造、風格的形成是我們對藝術追求的目標，但只一味地繼承或一味追求出新都不能真正形成自己的風格。

什么是傳統？傳統就是一種已經形成并對后世發生影響的東西。在藝術范圍內，可以說傳統是極為重要的，無論是東方的還是西方的，傳統都在影響我們，因此我們必須正視和研究它。繼承發揚有利于藝術發展的因素，清除掉阻礙藝術發展的因素，真正能吃透傳統的應當是精神非常強大的人，他既不畏懼于西方現代藝術觀念的涌入，也不非難各種對傳統的批評。只有這樣，我們才能夠既吸收前人的養分，又不為之所困，始終以明智開放的心態去學習和創作，使我們的藝術更加飽滿充實。

中國繪畫從古典形態轉變為現代形式，始終沒有離開繼承傳統藝術的精神脈搏，只有這樣，才能創作出真正有生命力的感動人的作品。有人主張完全擺脫自然和文化傳統的束縛，也就是完全割裂傳統的繼承與開拓創造的關系。事實上這是不可能的，如果我們過于夸張個性，這種個性一定是單薄和短命的。我們從西方繪畫史了解到：無論是野獸派、表現派還是立體派，不論其造型方法如何各異或者表現主觀感受的程度如何不同，他們最終都有一個明顯的繼承脈絡。

人類浩瀚的優秀文化成果就像展現在我們面前的山花爛漫的原野，每個人都可以根據自己的需要去采摘，從而發展自己的藝術風格。回顧整個中外藝術史，有哪位大師不是踏著前人的肩頭向上登攀的？獨創性總是相對而言的，歷史上沒有絕對的、憑空的獨創性的東西。藝術史上所保留下來的，是一個個相互關聯的環節，這些環節織成一張大網，每一種藝術品在此都有一席之地，這張網就是傳統，沒有傳統也就沒有創新。傳統提供出一塊堅實的平臺，以便使藝術家向上跳躍，跳躍的結果構成另一高度，又成為下一跳躍的基礎。我們判斷一件作品是否有創造，也是基于傳統框架下決定的。