導語：如何才能寫好一篇我喜歡的藝術作品，這就需要搜集整理更多的資料和文獻，歡迎閱讀由公務員之家整理的十篇范文，供你借鑒。

篇1

回家后，我把它擺在電視機上。晚上，我夢見維尼請我吃蜂蜜，又帶我去找蜜蜂窩，結果我們被蜜蜂咬得倉皇而逃；去小豬家玩，蓋了一座木板房；跳跳虎過生日，去他家作蛋糕，變成了奶油人……一場場快樂、美妙的美夢伴我成長，用幻想的翅膀讓我飛離童年。

長大后的我再看這個小瓷人時，我笑了。我把小瓷人底下的洞敲大，往里面放我掙來的零花錢，由一角變五角，又有五角變一元，一點一滴地積攢。從此，我對小瓷人的喜愛更加深了。

我雖然長大了，童心卻從未改變。我覺得一個人如果真正得擁有一片純潔的童心，她就永遠不會老。

篇2

大家都認為我對當代藝術中的裝置作品特別感興趣，這主要是因為我收藏了一些裝置作品，尤其是大型裝置。2007年，阿拉里奧畫廊舉辦了王魯炎的大型個人展覽《被鋸的鋸》。這個展覽獲得了2007年度十大展覽之一，我收藏了其中王魯炎最具代表性的裝置作品《被鋸的鋸》，這件作品由普通鋼和不銹鋼組成，高三米七，寬兩米八，長十米，重十三噸。

其實在2006年，我就已經在紐約蘇富比的夜場拍賣會中競得了一幅王魯炎的非常棒的平面繪畫，這幅作品我非常喜歡。我記得當時海外拍賣會尤其是夜場，還很少有中國當代藝術家的作品。那時的收藏家們對當代藝術有兩種極端的理解，一是不知當代藝術為何物，與古典或現代藝術相比，當代藝術讓人摸不著頭腦，吃不準，不如收藏傳統一些的藝術作品有把握；二是對當代藝術極為推崇，認為那是藝術發展的未來，無論從學術方面還是市場方面都有廣闊的空間。我從收藏傳統藝術轉型到收藏當代藝術，與接觸王魯炎和許多優秀的當代藝術家有著很直接的關系。

常有朋友說， 我的收藏嗅覺還不錯。這可能是因為我曾經在很早的時候收藏了劉小東、喻紅、夏小萬、忻東旺、靳尚宜、尚陽、段正渠、王光樂等藝術家的作品，有些還是他們的代表作。從收藏的角度說，這些收藏確實很成功。我也很難說清楚我有什么收藏方面的訣竅。收藏的直覺很重要，但是直覺是建立在了解的基礎上的，我用直覺判斷好的我喜歡的藝術作品，也需要有一個觀察分析的過程和時間。比如我收藏王魯炎的作品，首先是我喜歡他的作品，這種直覺很重要。但是對王魯炎有更多的了解，對是不是收藏和用什么樣的收藏力度收藏很重要，這需要研究收藏對象，做好收藏前的有關功課。

據我了解，王魯炎從1979年開始，參加了“星星畫展”和1989年的“中國現代藝術展”等一些列國內外重要展覽。可以說他參與和見證了中國當代藝術的每個階段，像他這種資歷的藝術家在中國已經屈指可數。更重要的是，在80年代末和90年代，王魯炎與顧德新合作的“觸覺”藝術，和陳少平、顧德新合作的“新刻度小組”藝術，在中國當代藝術史中具有不可替代的非常重要的地位。特別是在“新刻度小組”解散后，王魯炎的個人藝術創作進入了一個新的階段，他的藝術創作不僅沒有枯竭反而更加旺盛了。他的作品無論是內容還是語言，都很獨特，與別人非常不同。他的個人藝術線索邏輯性很強，很清楚，很容易識別。近年來他開始在國際上活躍，已經在巴黎舉行了個人展覽，我應邀出席了他的展覽開幕式，看展覽人認為他的作品很特別，受到許多好評。法國Saint-Etienne美術館館長羅蘭艾格先生也出席了他的畫廊個展，羅蘭艾格先生看到王魯炎的作品后評價很高，并決定2014年2月，在Saint-Etienne美術館舉辦王魯炎的個人展覽，作為法國美術館界館藏排名第二的當代藝術美術館，Saint-Etienne美術館對藝術家的選擇有著極高的標準，而權威美術館的學術判斷對于收藏家來說是十分重要的。

以上綜合信息表明，王魯炎還處在藝術創作的上升狀態。而他的作品價格與他的現狀相比卻被明顯低估，這些了解是我持續關注和收藏并看好王魯炎作品的理由。

篇3

梅花，落葉喬木，樹桿高近二丈許，品種有單瓣復瓣，重瓣之分，色形上有紅、白、粉之區別，花期為十二月至來年三月，嚴冬開花。

蒼勁古樸，雅麗清潤的梅花，之所以成為古今文人墨客筆下重要的題材，是因為她們在霜雪里煉造的挺秀剛勁的樹姿，繽紛絢麗的花朵，冰肌玉滑的品格，傲雪凌霜的風骨，體現了中華人民不畏，堅貞不屈的民族精神，象征我國的民族性。

中國畫中的梅花，歷代皆有名作出現，早在南北朝時期南朝的張僧繇，即有《詠梅圖》，當是我國較早的梅花繪畫作品，唐宋至五代時期的黃簽、徐熙，宋代的仲仁、楊無咎都是畫梅高手，五代的王冕畫梅超絕一時，明清二代畫梅高手比比皆是，近現代的吳昌碩、齊白石、潘天壽等人，將畫梅推向了新的高度。吳昌碩、潘天壽所畫梅花潑辣豪放，氣勢宏大。任伯年，畫技清秀典雅，齊白石畫梅簡括蒼勁，筆簡意繁。

在中國陶瓷繪畫歷史上，以陶瓷為載體的作品中，明代永窯的青花扁壺花鳥圖，描繪了一只小鳥站在梅樹枝上，梅花以勾圈法描繪，作品工整嚴謹，因那時期作品為青花裝飾，整幅作品顯得清心幽雅。

梅花先眾木而花，先天下而春，凌冬映雪，萬點飄香。在陶瓷作品中以單獨為主體描繪它的作品，當屬民國時期的“珠山八友”中的田鶴仙，其作品構圖以對角線把畫分作兩半，所繪物象放一邊，留白的一邊題款落印，樹干粗壯，虬曲蒼老，枝椏扭曲，穿插自然，以先勾花形，后用玻璃白打底，上填紅色，表現花蕊盈鬧枝頭，春意漸濃的景象，作品風格鮮明。

當代陶瓷藝術作品中，陶瓷藝術家以各種形式描繪梅花的形態表現手法不同，風格各異。中國工藝美術大師張松茂喜畫梅花，經典作品《紅地白梅》，梅樹枝干虬勁蒼老，花以白梅裝飾，以砂紅為底色，整幅作品吉祥喜慶，端莊穩重，老樹新枝，象征著中華民族不屈不撓奮發向上的精神，又符合中國人的審美及欣賞習慣。

中國歷代繪畫傳世作品中的梅花皆以水墨畫為主，在以陶瓷為載體的陶瓷作品，要想達到這一效果，用釉下青花能夠表現出異曲同工的裝飾效果。中國陶藝大師陸如先生的《石壽梅香》筆插，梅枝禿筆中鋒老辣，花頭圓中帶方，方中帶圓，把傲霜的梅花表現的英姿勃發。生動的體現出梅花“冰姿不怕雪霜欺”的精神氣質。

我喜歡種花養草，所種的花中比較喜歡梅花，她那迎寒怒放，堅忍不拔的高尚品德和其獨特迷人的風姿神韻，令我陶醉。我畫梅花比較喜歡畫家王成喜的手法。枝干粗壯，老樹新枝，穿插自如，繁花密枝，花頭以點法描繪，藏鋒側入，一筆一瓣，一片欣欣向榮的景象。

一個時期，一種精神，一種面貌。梅花曾被定為中國的國花，意義深遠，梅花的傲骨人盡知，象征中國人民不屈不撓的精神。梅花的苦盡香來則象征著中華民族的崛起。

從古到今，陶瓷藝術家創作了一大批具有時代特征的藝術作品，有表現梅花傲骨精神的，有表現梅花蓬勃向上精神的。

篇4

記者：修訂后的藝術課程標準，不僅明確提出藝術課程追求的總目標是“藝術能力和人文素養的綜合發展”，而且對“藝術能力”做出清晰的界定。明確指出，“藝術能力”不同于通常所說的“藝術知識技能”。那么。該如何理解兩者之間的差異?

滕守堯：以往中小學美術和音樂課程所突出的“藝術知識技能”，與專業藝術院校要求學生掌握的“藝術知識技能”只有難易之分，沒有本質區別。廣大中小學生長大后并不全是從事音樂和美術事業，中小學藝術教育是要他們具有一定的藝術素質，成為一個全面發展的人。以往的經驗告訴我們，一味地給中小學生灌輸藝術知識技能，會使他們很快失去興趣，導致“我喜歡美術和音樂，但我不喜歡美術課和音樂課!”的后果。

真正的藝術來自藝術知識技能與人文素養的有機結合。只有當藝術的知識技能與人文素養融為一體，化為個人的一種特殊表達時，才是藝術。只教授知識技能而忽略人文素養，教的藝術就不是藝術，或者說教的是不完整的藝術。

基于以上考慮，標準修訂稿中規定的學習目標是具備一定的“藝術能力”，它與“藝術知識技能”有以下幾個重大區別：第一，范圍更廣。已不單純是畫畫或唱歌的能力，而是對經典作品和同學作品的感知與體驗能力，在獲得豐富而真實體驗基礎上的創造與表現能力，對自己和他人作品的反思與評價能力等。第二，含義更深刻。它不單純是一種技術，還要能在藝術的感召下，自覺地和更容易地發現自然萬物和自己廣闊心靈世界中蘊藏的美，使自己的情感更豐富，境界更高。第三，能隨時將不同種類的藝術聯系起來，獲得通感能力。與此同時，還具有隨時將藝術同語文、數學、生物、地理、歷史等不同方面的知識聯系起來的能力。第四，具有藝術能力的一個更高的標志，是對一件事情和一個事物善于從反面或多個角度去看、去想。

記者：通過藝術學習，提高學生的文化素養，我們容易理解。藝術與科學的聯系，我們關注得還不夠。

滕守堯：藝術課程建設的關鍵，是以修訂后的藝術課程標準為指導，使教師通過藝術課程的設計，以特定的教學步驟，引導和鼓勵學生以飽滿的熱情探討各個不同歷史時期和各種不同文化的經典藝術，并通過欣賞、描述、解釋、分析、反思等活動，領會其中所蘊涵的“愛”、“歡樂”、“痛苦”、“悲傷”等典型的人類情感。只有通過對藝術作品的外在形式和內在意蘊的整體把握，才能理解藝術作品的深刻內涵，反過來使學生對個人情感的認識更深刻，使其情感體驗更豐富和深邃。

篇5

彼得?卡羅森就被不少熱衷發掘新奇玩意的網民奉為另類“潮人”――他的一雙巧手可以用A4紙制作出各種驚人的立體紙雕,而且不會浪費一丁點兒紙碎!感興趣的同學不妨到他的網站(省略)欣賞一下^_^

I love paper. I love the look of paper, I love the feel of paper, and I love the smell of paper of fresh newspaper, magazines, and books. Paper is the 1)substance that allows its possessor the ability to hold one’s most treasured thoughts in safekeeping. It is the substance that holds dear our greatest fears, our greatest loves, and our greatest triumphs, in the form of journals, 2)autobiographies, 3)treatise, and narratives. It is the medium that has formed and molded the world to the shape it is today.

Take a piece of A4 paper, just a normal ordinary blank one. You can write on it, draw on it, but also cut into it. Peter Callesen does so. Since 2004, he has been transforming 2D surfaces into 3D sculptures simply by means of a knife, some glue, a

super-creative mind and two super-talented hands. From the white surface of ordinary A4 paper, a magical universe arises. Stories are told without ever seeing the pen.

Callesen was born in 1967 in Denmark. He was schooled in Denmark and London in the fields of art and architecture. Although his name may not be immediately recognizable on this side of the globe, his work, thanks to the Internet, certainly is. I have seen his work many times over the years, but still, I have always been quite taken by the stories it tells and the 4)sheer 5)elegance of his designs. Although some of his pieces are highly complex while others appear rather simple in design, each 6)provokes thoughts and memories, forcing me to 7)contemplate their meaning.

“These playful performances exist in the lost land of childhood, between dream and reality,” Callesen said, “and it is in this meeting

or 8)confrontation of these two conditions, in a kind of 9)utopian 10)embodiment, that these works of art become alive, often in a 11)tragicomic way.”

Callesen’s large-scale performances are truly breathtaking, but I kind of prefer his delicate work on A4 paper. As the artist put it, “It is probably the most common and consumed media used for carrying information today. This is why we rarely notice the actual materiality

of the A4 paper. By taking away all the information and starting 12)from scratch, using the blank white A4 paper sheet for my creations,

I feel I have found a material that we are all able to relate to.”

我喜歡紙張。我喜歡紙的樣子,喜歡紙的觸感,還喜歡紙的味道――無論是新鮮出爐的報紙、雜志還是書籍的味道。紙是一種載體,讓持有者保藏自己最珍貴的思想。這種載體以日志、自傳、論文和記敘文等形式珍藏著我們最深刻的恐懼、最濃烈的愛戀,和最偉大的戰績。它是將世界塑造成如今這般面貌的媒介。

取出一張A4紙,一張平常的普通白紙即可。你不但可以在上面書寫繪畫,還可以剪裁雕琢。彼得?卡羅森就是這么做的。自2004年開始,他只需要一把小刀、一些膠水、一個富含創意的腦袋和一雙極有天賦的雙手,就能將二維平面改造成三維立體雕塑。一個魔幻世界從普通A4紙的白色表面上誕生了,無需筆墨也能向人們講述各種故事。

1967年,卡羅森于丹麥出生。他在丹麥和倫敦上學,主修藝術和建筑。盡管在地球這一邊,他的名字并不為人所熟知,但多虧了互聯網,他的作品早已深入民心。在這些年里,我已經多次見過他的作品,卻依然一次次地被作品講述的故事以及設計的純然優美所深深吸引。雖然他的作品有些設計得極其復雜,另一些看起來則非常簡單,但每一件都引人遐想,勾起各種回憶,促使我深思其中內涵。

篇6

“劍氣簫心”是一種氣質，是一種對比，在中國的寫意畫中也時常能窺見其中的存在。寫意在技法上本來是一種粗放、不拘細節的“劍氣”，然而其內涵所展示給觀者的則是一種平和淡然“簫心”的意境，這是畫家們的追求，也是畫家們不斷攀登的高峰。

藝術作品是作者內心的反映，作品展現的則是“冰山一角”，其烘托與支撐作品的有諸多因素，一是技法的磨練；二是對生活素材的捕捉；三是生活閱歷與內心修養的展現。諸多方面共筑著一幅作品的完成。寫意畫的表現看似一揮而就，有一種激烈的情緒氛圍，然而其后作品給人的并非是這一揮，而是讓我們從中可以慢慢品味藝術的美感。有多少優秀的藝術品給我們生活增添了精神的享受，長期的沉淀，在我們的心中存下來的更多的是作品中那種平和的、感人的“簫心”。

在寫意畫中有表象和內在之分，其表象也就是畫的技法筆墨的情趣，我在《寫意的抽象性》一文中曾講道：“寫意畫中充滿了激情，世界上的畫沒有比水墨寫意更簡練的了，紙與墨即可以完成作品，作品完成之快也使人嘆為觀止。”寫意這一藝術形式，在表現激情時最直接、最簡潔。寫意的表現在形態的追求上并非是對自然的描繪，而是以自然形態為依托，轉化為一種筆墨的藝術形式。“不專于形似，而獨得于象外”。這種變化了的形，與筆墨技巧其本身已具有了繪畫上的視覺欣賞效果，然而也正是寫意的離形，也給了我們一種錯覺，似乎這一形式表現的是一種激烈，是一種強悍，甚至引入歧途而轉為浮躁，最終失去了寫意內在的平和本質。

寫意的表象是一種筆墨的技法，是中國畫的一種表現手段，其本身就存在著繪畫的形式美感，如筆墨的干濕濃淡的對比，線條的流暢與頓挫的關系，這種對比與關系，可以構成繪畫的語言，借以表現的物，加以巧妙的組合，也可達到一個藝術的欣賞層次。然而中國的文化往往存在著其更深的內涵，這種內涵，則是更高更深的一個層次。它在表現的技法與物態之外，體現出的卻是畫家本人的思想、意識。這種意識的來源則不僅是所表現的題材，也不再是單純的水墨技巧。反之所有的筆墨與技巧完全服從于要表現的內涵。在完成筆墨技巧的掌握之后，在寫意的創作過程中也同樣有兩個切入點，其一是對生活中所要表現題材的捕捉，借助于好的題材加以升華，賦予其內涵來完成作品。其二則由生活的感悟而引發的，先有一種心境再借助于寫意的手段完成作品，這種表現更直接、更具本質性。寫意的本質應該是更內在的，“畫者從于心”，緣物寄情，才是寫意的本質。在筆墨情趣的背后反映出畫家的人生感悟。

山人應該是寫意花鳥畫最杰出的代表畫家，他筆下的一花一鳥，反映出的是他清高拔俗、超出塵表的人格。的經歷坎坷曲折，的筆墨信筆點染，揮灑自如，但從他的作品中給我們的卻是冷淡與孤寂，是一種超脫的寧靜，這種意境的感染力才是寫意的魅力，是我們不斷研究與追求的目標。

倪云林的作品具有蕭條淡泊的氣質，畫面平靜到了極致。齊白石的寫意不僅有雄健渾厚的筆墨，同時也表現出了作者內在的精神氣質。吳昌碩的寫意蒼勁灑脫、酣暢淋漓，將平和的生活場景定格在那一幅幅作品中。任伯年的寫意畫，山水、人物、花鳥無一不精，雖不是清淡高雅的格調，也創造出了色彩明麗、簡練傳神的畫風，作品耐人尋味，引發聯想，欣賞之余給觀者的也是一種平和的心態。

人們生活在紛雜的社會中，經濟在發展，工作要進步，競爭受到鼓勵。可是繪畫藝術作品的內在應該是平和的，功能應該是讓人們的心靈得到片刻的休息，一個平淡的心境，一種平和的享受，都是我們藝術作品永存的價值。

記得在國外，有許多同道在評論中國的寫意畫時，常有感慨，現今中國畫表現出的力量與強勁是明顯的特點，而平和淡然似乎不足，這種平和與淡然的畫境，應該是從畫家的內心中生成。中國早期的寫意作品，多出自僧人與隱士，或是文學成就很高的士人，他們追求的生活態度，自然地體現在作品中，所以表現出來的意境多為平和自然。而我們現今的社會，尋找一個平淡的心境，似乎成了一種專修的功課，那么在作品中把握一種平淡自然的風格面貌，也就更需要內心的修煉了。畫家們在創作道路上，有一種慣性，更難突破的是自我的束縛，尤其是在寫意的表現上，要在畫的風格上找到一個點，確立一個目標，在不斷的改變中，達到自我藝術的巔峰。

篇7

美術欣賞教學是美術教學中的重要組織部分，它是提高學生文化藝術修養的有效途徑。對培養學生的審美感受能力，具有特殊的作用。縱觀當前的美術教學，美術欣賞已貫穿從小學至大學的審美教學全過程中。而小學美術欣賞教學，作為培養學生審美素質的初級階段，必須與兒童的年齡特點相結合，掌握兒童的欣賞習慣和欣賞特征。然而，在實際教學中，還存在著違背美術欣賞教學規律的一些誤區。

創設情境，理解審美差別

藝術總是來源于生活的。每件藝術作品都有它存在的必要性，但每件藝術作品又有其地域性、民族性和獨特性。從形式到內容又有其個性魅力。例如《非洲雕刻》一課：學生看到這些藝術品時立即產生了這樣的疑問：“為什么非洲人喜歡選用黑乎乎的木材雕刻?”“為什么好多人像都是的?”“每個人身上都有許多裝飾品”……我并沒有直接針對這些問題解答講解。而是播放課件，帶領學生看看非洲是什么樣，有什么，非洲人是怎樣生活，一兩分鐘的短片讓學生踏上了非洲大陸，走進非洲熱帶叢林，原來非洲熱帶雨林茂盛，有著豐富的木材資源；氣候炎熱，當然就穿得少；他們裝飾品都是動物的牙齒、骨頭什么的，象征著他們的獵物多少，是不是個好獵手…一，學生用看到的信息對他們自己的疑問進行了猜測性地解答。我在總結時對他們的答案和方法進行了肯定。而他們也在直觀欣賞和討論中融入了非洲的世界，從而對一個全然陌生的藝術形式產生了一定的審美認同。能發現原來世界很大，并不是只有我們的審美標準的，應該尊重理解其他民族的審美趣味。給學生自主體驗時間

(1)課前給學生充分的時間預習。

(2)出示欣賞作品后，教師不要立即講解。可以讓學生看畫一到兩分鐘，再讓他們說說自己對作品的第一印象。引導學生觀察畫面。如畫面是以什么顏色為主?畫了些什么?顏色是暖洋洋的，還是冷冰冰的；是明亮的，還是陰暗的?給你的感覺是快樂的，還是悲傷的?這就有利于激發學生的主觀感受，勝于在毫無感受之前就輸入某種概念，以造成先人為主的偏見。

(3)轉化教學形式，師生共同參與，對于欣賞中的一些問題，采用小組合作的形式開展欣賞評論，發揮學生的自主性，鼓勵他們發表自己的觀點。

角色融入，同化審美標準

雖然世界是一個“地球村”，藝術繁榮交流早已打破了地域的局限，但我們還應充分認識到由于種族、地域、宗教、意識形態的差異導致的文化與藝術的多元化。而這些并非是小學生所能理解的，因此在教學中我常讓學生進行角色的轉換，“想一想如果你在那個年代，那個地方你會怎樣看待這樣的作品呢?”再如《非洲雕刻》中，我出示了兩張女性圖片，一張是黃種人，一張是黑種人，當然兩張的服裝打扮也是不一樣的。我問學生：如果你是非洲人，你更容易接受哪個?為什么?學生們唧唧喳喳地討論上了，“我喜歡黃種人。很漂亮”，“現在我們要假想自己是黑種人，我們非洲要耐曬，膚色要健康，身材要象這幅畫一樣健碩才美，“在非洲這樣鮮艷的服裝才美……，”其實這樣身份是讓學生學會用多角度的眼光去了解、審視藝術作品，以寬容、開放的眼光看待事物。

教師要準備豐富的欣賞資料

(1)課前對收集的欣賞的資料進行挑選、歸類，同時可以組織學生一起挑選他們感興趣的內容、題材，注重作品的思想性和趣味性。(2)把所要欣賞的內容進行兒童化的加工、處理。采用他們樂于接受的講故事、看錄像等形式進行教學。(3)引導學生從畫面的精彩地方人手。了解作者的創作意圖，鼓勵學生提出欣賞中的疑問，發表自己的見解，敢于對名家名作品提出自己的看法意見，增加自己對欣賞內容的理解和藝術感受。

在欣賞課上，教師只賞不畫

根據美術欣賞教學的目的、任務及自身的特殊規律。我國的小學美術欣賞教學的組織形式可以分為專題欣賞課、隨堂欣賞課和現場欣賞課三類。學生在大量的美術欣賞后，視覺審美能力和品味會得到提高，優秀、豐富的美術圖象信息，使學生通過欣賞之后的記憶儲存積累逐漸增加。

在專題欣賞時安排操作活動。如教學民間繪畫和工藝品欣賞時，學生往往表現出很大的興趣，很想動手做一做，這時不妨讓學生照著作品的風格、形象臨摹一下。這樣，就打破了欣賞課紙上談兵、光說不練的局面，更有助于學生理解作品。根據教學的需要，在教學的各個環節安排適當的隨堂欣賞內容。1　欣賞導入。如上下班剪紙一課時，如果只是講剪紙的方法、工具、材料，只會使學生對剪紙的學習產生畏難的情緒。而在導入時創設一個剪紙、貼窗花的熱鬧喜慶氣氛，就能吸引學生的注意力，激發學生學習的興趣。2　作業時穿插欣賞。3　結束時加入欣賞。

多種感官體驗，感受藝術魅力

在美術作品的欣賞中視覺器官發揮著重要的審美功能，但僅僅從視覺感知經驗出發是遠遠不夠的，恰當的輔以其他感官，如聽覺、觸覺，調動學生已有的生活經驗等等，能有效地調動學生感知美的興趣，加深對審美對象的感知體驗，增強學生視覺審美感受能力。如：低年級的小朋友認識線條，在了解繪畫中線條之前，我讓學生先摸摸生活中真實的線：毛線、鐵絲、麻繩……。聽聽音樂、找找曲調的線條…--，看看柳枝、小雨、彩虹，自然中的線條……強化了學生對線的視覺感知。

欣賞時要講作品的構圖、色彩等方面的繪畫知識內容

現代美術欣賞教學認為：美術欣賞教學是一種使受教育者通過藝術作品的賞析，逐漸提高對藝術形式的審美感受能力。其目的要使受教育者成為一個能對藝術和藝術以外的一切美的因素，進行審美感知的，有較高文化素質的公民。由此可見，要求欣賞者了解作者的創作意圖，學會正確的評價方法，成為一個具有審美批判能力的觀賞者，比了解藝術家的奇聞趣事和背景來得更為重要。由此可見，小學的美術欣賞教學不應只注重內容的趣味性，藝術作品表現形式和方法(對比、變化、對稱、重復、反襯)了解也是不容忽視的。

一件藝術作品之所以能從千百萬張作品中脫穎而出，得到人們的認同，成為廣泛流傳的優秀作品，這固然與作者的技藝高超有很大的關系，但更重要的是作者通過作品所反映的美的因素和豐富的文化內涵。才是作品得以流傳的原因和值得賞析的美點。

篇8

1.ZEST：是什么樣的機緣讓你開始這個水果掃描藝術創作的?Matt Walford：整個系列的用意是要啟發人們從一個不同的層面去觀察事物，這次的切人點是水果。我用了掃描儀設備來參與創作，是想要找到一個有意思的視角，為觀眾呈現水果前所未見的樣態。

2.ZEST：說說你的創作核心?一般來說你如何完成你的作品?有哪些有趣體驗可以分享的?Matt Walford：我為自然著迷，從某種程度來講我所有的作品郜是圍繞這個主題生發開去的。對自然以自己的視覺體系去重構和再詮釋是我所執著追求的，因為觀眾可以從中獲得審視事物的全新角度。

3.ZEST：一般來說你如何完成你的作品?有哪些有趣體驗可以分享的?Matt Walford：一切都從靈感開始，之后我在腦中構思如何實現這個靈感，設想若干種途徑達成目標。我選擇攝影術來實現最好的視覺效果，(這個水果項目里是掃描儀)之后使用Photoshop調整圖像，使其臻于完美。

4.ZEST：你完皖作品的過程中最關鍵的是什么?你喜哪些藝術家?

Matt Walford：對我來說最關鍵的是所創作出的存在能為自己帶來快樂。當作品已經令自己感到愉悅，又進而讓觀眾感同身受，就如同是得到了額外的獎勵，不是么?我喜歡很多藝術家，其中兩位原創視覺攝影師對我啟發尤其大：GillesReveD,GuyBourdin。

5.ZEST：想像與創新對你來說意味著什么?你覺得它們如何影響我們的生活?你下—步的打算是?

Matt Walford：想象力于我是最重要的，沒有它，生活將寡然無味。那種能在白日夢里構建絢麗世界的能力是令人艷羨而且絕對不容小覷的。下一步我打算繼續創作更多個人作品，同時也要兼顧商業作品。我也非常想在國際范圍內展出自己的作品。

篇9

“在工作室會放自己的歌來聽嗎？”一見到艾敬我們便問。“不會。”艾敬毫不猶豫搖頭。她的藝術工作室位于北京 798環鐵藝術區，這里由一間空曠的工廠倉庫改裝，樓梯將偌大的空間分為兩層，樓下散亂擺放著一些畫作，藝術家艾敬的一天剛剛開始。

1998年，已經作為歌手頗負盛名的艾敬即將出版她的新專輯《Made In China》。“那時我第一次到美國生活，很想表達對祖國的愛，沒想到卻被質疑了。”艾敬說，就在這張專輯發行前一周，國內發來的一紙公文把專輯擋在了國門外。大受挫折的她并沒過多申訴，只是蟄居在紐約的公寓里默默畫畫。也就是從那天起，艾敬的人生軌跡驟然轉變，她的執著和靈感從音樂轉向其他藝術方向，而這次契機成就了如今我們眼前的“藝術家艾敬”。

“那次是我第一次受到這么大的打擊。”艾敬一字一句地說。1969年，她出生于沈陽一個能歌善舞的家庭，受到父母影響，她早早接觸了音樂，并在 17歲成功考入北京東方歌舞團。這在當時是十分榮耀的事情，但艾敬卻不以為然，半年后，她毅然離開歌舞團，去廣州發展。而幸運女神卻再次眷顧了她，她的專輯一炮而紅。

當成名作《我的 1997》出版時，艾敬才 18歲，她抱著吉他大膽歌唱，眼神清澈坦蕩。從家鄉沈陽的艷粉街上出發，艾敬一路走到了北京、廣州、香港、東京、紐約、巴黎、米蘭……她穿著滑冰鞋溜達在紐約的街頭，感受她一生摯愛的感覺――自由。甚至還拍攝了多部影視劇，因為長得像山口百惠而被人們贊嘆。順風順水又不走尋常路的少女時代，自然造就了一個瀟灑不羈的艾敬。

“可能是我骨子里有這種漂泊感、流浪感，從外在到內心都已做好了去遠行的準備，告別一切的準備。”艾敬說，如今的她回首當時，早已把一個幸運少女突然遭遇的巨大打擊轉換為上天注定的轉機。

1999年，艾敬正式師從著名藝術家張曉剛，開始潛心學習繪畫。告別了舞臺的喧囂、娛樂圈的紛擾，大部分時間里，她都穿著被油彩弄得五顏六色的牛仔褲、最普通的黑色布鞋，頂著素顏在工作室里不斷創作。“藝術是體力活啊，不過我喜歡這種勞動的苦。”艾敬笑說。

無論如何，1997年過去了，那個曾經高歌“1997快些到吧”的少女也慢慢消失在了人們的視線中。而再一次的徹底回歸，已是多年之后。

艾敬 = love and respect

2008年，艾敬的新專輯《我的1997和2007》突然面世，人們還沒來得及從“艾敬回歸”的意外中反應過來，同年 11月，艾敬又以藝術家身份在北京今日美術館舉辦了首次個人藝術展 “ALL ABOUT LOVE”。在潛心學習了十年的繪畫之后，全新的艾敬帶著她的藝術作品再次出發了。

幾乎和當年的成名軌跡一模一樣，在之后的幾年里，艾敬的藝術展巡回于中國、紐約和歐洲。2009年在紐約舉辦首次個展“AI WANT TO LOVE”，2012年在中國國家博物館舉辦個展“I LOVE AI JING艾敬綜合藝術展”……直到接受我們采訪的當下，艾敬仍在為她今年秋天的紐約個展忙碌著。

“站在國家博物館的平臺上，我終于看到了全世界。”艾敬說，她從 30歲才開始學畫，十年后卻在中國最大的展館舉辦個展，這在旁人看來已是難以置信的成功。“對藝術，我絕不僅是玩玩而已。”她不斷地對外界重申這句話，也用時間證明了她的執著。

2011年 9月，法國藝術收藏機構收藏了艾敬的一幅繪畫作品。2013年 6月，艾敬的雕塑作品《海浪》再次被中國國家博物館收藏……盡管背負歌手的盛名與標簽，她的創作仍然獲得了世界級專業藝術機構的不斷肯定。“學畫 13年之后，我才賣出了自己的第一件藝術作品，這比從前做出一張專輯更讓我高興。 ”

在將她推上國際舞臺的作品《我的母親和我的家鄉》中，艾敬邀請了自己的母親坐在一個美術館里織毛線，而背景中那條長達 16米的巨型針織毛毯，則是艾敬家鄉的親戚鄰居共計 50多人編織完成的。對家鄉揮之不去的情結，成為艾敬終生的藝術語言。

“我 17歲就離開家鄉，一直在全世界闖蕩，可能就是因為我離家早吧，出國也早，對家鄉才會一直保持著深厚感情。”在她的藝術作品《艷粉街的故事》里，她使用 1960年代的黑白電視機為材料，拼搭出了一幅老沈陽的畫面，這也是她記憶中的家鄉。

2006年，在艾敬的藝術技巧已頗為成熟的時期里，她曾經一度陷入迷茫，無論繪畫還是雕塑，她都無法抹去模仿的痕跡，找不到自己的特點。那段時間里，艾敬常常回想自己曾經寫下的歌。 “《我的 1997》、《艷粉街的故事》、《Made In China》，都是關于一個女孩的成長以及對愛的感悟，對人的愛，對家鄉的愛，對國家的愛……我突然發現愛是最能引起共鳴的。”她開始嘗試沿用“LOVE”的符號，把這個全世界都能讀懂的詞匯注入自己的經歷和感受，重新用視覺的方式傳遞出來。她在紐約即將舉行的個展，主題便繞“LOVE”進行。

“這和我的名字也很像。”艾敬輕聲說，“love and respect。 ”

如今的艾敬，仍然保持著流浪的姿態，從紐約到北京，從音樂人到藝術家，她始終是個雙棲動物。而歷經鉛華，那個曾經有著叛逆表象、瀟灑不羈的音樂詩人，也似乎褪去了她的面具和防備，透過藝術對人們流露出更多的情緒和真實。揮別 1997，艾敬用更抽象卻更直抵人心的方式表達著她的愛與戀，譜寫著那個“LOVE”的故事。

Bloom X 艾敬

Bloom：你作為知名歌手，“轉行”做藝術家會有障礙嗎？

艾敬：不能說沒有，但我希望人們忘記我做音樂的過往。在中國，人們會認為音樂家是娛樂圈的，常常以“藝人”稱呼我們。當然這不是我從音樂轉向視覺藝術創作的原因。我曾經說過“在你忘記我之前，我已經忘記我自己”，事實上，我正試圖忘記過去，重新出發。

Bloom：你已在北京、紐約和歐洲舉辦好幾次藝術展，還會考慮再做音樂嗎？

艾敬：當然。我雖然離開了音樂圈，但有時候也會寫歌。像近兩年，我在畫畫之余寫了幾首歌。這樣的音樂，更像是我自己的，我更喜歡它。

Bloom：說說你如今的生活狀態。

艾敬：現在……就是每天在跟時間賽跑。你別看畫家畫畫是美差，那其實就是一種在畫室里的勞作，跟其他工作沒什么區別。以前做專輯是滿世界跑，現在是在工作室里跟時間賽跑。

Bloom：能和我們分享一些你的家庭生活嗎？

艾敬：我只能說，我現在不是單身了。所以我父母也并沒有為我過多擔心，他們知道有人愛護著我。我父母還住在老家沈陽，現在逢年過節，我們一家人會一起度過。

Bloom：如果重新選擇一次，你會當音樂人還是藝術家？

艾敬：也許是藝術家吧。繪畫是件很私人的事，這符合我的個性，我不喜歡跟別人商量太多，而音樂恰恰需要彼此的溝通和理解。我其實很希望像山口百惠那樣，早早成了名，唱了很多好歌，拍了很多好戲，只和一個人吻過，年紀輕輕，明明白白地急流勇退。

Bloom：如果現在有電視節目找你去演唱歌曲，你還會考慮嗎？

艾敬：也許吧。但要看是什么表演，我對音樂的理解，是歌唱需要在美感和環境氛圍下進行的。如果在一段神侃和游戲之后立刻進入一首歌的演唱，這樣我認為太荒謬。當年我參加一些自己不喜歡的工作，我甚至會在半夜驚醒。

Bloom：如果給盛年女性一些建議，你會說什么？

艾敬：如果某件事情你做得很累很痛苦，那就別去管太多，就不要做了。我做音樂，做藝術，都從來不會想去逾越什么東西，只是享受中間的快樂。

篇10

“我收藏的原則很簡單，就是喜歡和不喜歡而已。很多人會去考慮這個藝術家是否很出名，有沒有做過雙年展，或是有沒有被大畫廊。而忽略了考慮自己喜歡的感情，但喜歡這種感情就是最簡單的收藏>中動因素。”宮津大輔認為，收藏當代藝術作品最大的好處在于可以與藝術家作直接的交流，這是深入了解藝術作品深沉意義的捷徑。如果藝術家已去世，即使你是他們的狂熱愛好者，你也不可能和他們交流了。宮津大輔亦表示：“擁有好的收藏不是富人的權利，我是普通的上班族，我要告訴大家如何用有限的錢買更多的藏品。”

日夜工作賺錢買草間彌生

宮津大輔對當代藝術的熱情，始于安迪·沃霍爾。他第一次看到安迪·沃霍爾的作品時，剛跨入青年行列，在此前他只熟悉日本的傳統藝術。日本傳統藝術的主題通常都是美麗的女人，花或者是風景，它們都雅致非凡。但突然間看到了安迪·沃霍爾的罐頭、電椅的圖像。令他非常震撼。“它們與我所熟知的藝術大相徑庭。”

但還是本土藝術家日本怪才草間彌生才令他成為真正的藏家。每當他見到草間彌生的作品，心中出現一股強烈的收藏癮。1994年，當宮津大輔擁有了一份穩定的工作，他找到了草間彌生的畫廊。“他們只有一幅很小的素描。雖然與現在她的作品相比價格還算合理，但在當時不算便宜。它非常漂亮。我的藏家生涯就是從收藏草間彌生1953年的那幅小素描開始的。”然后他又看中一幅草間彌生1965年《無窮網（Infinity Net）》系列中一幅大幅繪畫。這幅大畫當時價值6.5萬美元，比他一年工資的總收入還多。為了買這畫，他不得不在晚上“炒更”賺錢，每天拿到錢就去支付定金。

接下來的故事，甚是奇妙。一天，他太太打電話叫他速速回家，同在家中等他的還有母親和祖母。他一進門迎來責罵：“你瘋了，為什么要買這么貴的東西？”這種收藏熱情在別人看來似乎不可理解，對宮津大輔而言卻是理所當然。這從他所尊敬的收藏家中的經歷可看出：美國有對夫婦Herbert Vogel and Dorothy Vogel，一個是郵局員，一個是圖書管理員，他們在30年間靠工資收藏超過2000件作品。這些作品最后被捐贈給華盛頓某個現代畫廊。宮津大輔形容他們為“英雄收藏家”，并渴望成為這樣的人。

最后，家人提出墊上自己的錢幫他應急，這讓宮津大輔不敢相信自己的眼睛。“真的嗎？為什么？”原來當時日本街邊滿是放高利貸的廣告，每個高利貸有屬于自己的標志，宮津大輔睡覺時候不小心擺出付高利貸的狀態，他太太見到后甚是擔心，害怕他瘋狂到為藝術而借貸了。“所以說在收藏道路上，無論遇到什么困難都不要放棄，某些人某些方法會幫你解決。”宮津大輔笑著說。

在接下來的幾年里，宮津大輔所擁有的草間彌生的作品就達到了10件之多，作品的年代從1950年代跨越至1970年代。而《無窮網》這幅作品在1998年出借給了草間彌生舉辦首個回顧展，一個很有影響力的展覽讓家人也感到認同，因此諒解了他。兩年前，宮津大輔出版新書《如何買現代藝術》，草間彌生給他寫了序言。

“夢想之屋”：打造家庭和私人的藝術

隨著收藏癮越來越大，宮津大輔不滿足于從畫廊購買作品這種買賣關系，他希望把藝術搬進家中。于是他在1999年提出“夢想之屋”（dream house）的計劃，由他與法國錄像裝置藝術家多米尼克·岡薩雷斯·弗斯同打造。項目至今仍在繼續。

“夢想之屋”實質上是一間供宮津大輔與太太居住的房子，距離日本首府東京兩個小時車程的市川市。“夢想之屋”外墻顏色有著紅白藍基調，屋內每個角落都能見到宮津大輔收藏并熟識的藝術家的痕跡。一樓的中庭由小澤剛負責，庭園及壁紙是分配給島袋道浩，室內照明則由韓國藝術家崔正化負責：二樓寢室是由田中功起設計，寢室天花板是金氏徹平的作品；另外邀請奈良美智在和室推門量身定做奈良美智標志性的萌娃娃，日本觀念藝術家島袋道浩在浴室內手繪墻紙，草間彌生則負責鏡子。

1999年，他與奈良美智討論，希望奈良美智用傳統水墨創作一幅萌娃娃在和室推門上，隨即支付了作品費用。“價格在當時很便宜。但隨著奈良美智的成熟，他越來越繁忙，我一等就等了13年。這個作品在2011年7月1日才完成”，宮津大輔笑著說，“作為一個收藏家，我希望和美術家一起創造。但這需要耐心與秘訣，因為我沒有很多錢，只能等藝術家有空。”

在宮津大輔眼中，“夢想之家”是家庭和私人的藝術，但由于這是他和太太唯一可以住的地方（他們沒有小朋友），不對外開放。但會盡量在周末對學習藝術的學生開放，需要提前郵件預約時間。他另外的300多件正式藏品，包括蔡國強、奧拉維爾·埃利亞松、楊福東等，被存放在與其宅邸相距千里的東京的恒溫防震倉庫里。

收藏與他同年齡層的藝術家

宮津大輔的收藏有個原則，就是收藏跟他同年齡層的藝術家，可以說他的收藏某個程度也呼應了半個世紀以來當代藝術的發展軌跡。

但最讓他得意的一點是他在這些藝術家們尚未成名前就以慧眼收藏了他們。比如蔡國強、奈良美智、Olafur Eliasson、田中功起、森山大道、Paul McCarthy等炙手可熱的國際藝術家。他近些年尤其對錄像和新媒體藝術家感興趣。他收藏的錄像和新媒體藝術家包括中國的曹斐、楊福東，高木正勝（Takagi Masakatsu），阿彼察邦·韋拉斯哈古以及韓國的鄭然斗、日本的高嶺格等。

不少人都問過他，裝置作品能否保值和升值？他認為，裝置作品的保值和升值潛力也還是要看藝術家的能力來定的，“就如我收藏蔡國強的作品，它現在的價值我無法想象。但當蔡國強舉辦一個回顧展的時候，他收藏的作品就跟著這個展巡游世界展出。它的價值是跟著藝術家走。”

他舉了個收藏案例：蔡國強在東京生活了15年，日本藏家很喜歡他的作品。當時日本SUGO AIR畫廊想和蔡國強合作，拿到一個名為“trap：projects for the 20th century”作品后，想賣給一個藏家，但這個藏家因為這件作品帶有一個活的小鳥需要照顧，他就不要了，畫廊就找到宮津大輔。宮津大輔就把這件蔡國強1997年的作品買下，價格不超過10萬。至于那只活鳥，宮津大輔放走了它，每逢展覽他就買回一只新的小鳥放進籠子里展出，這不影響藝術品本身。

“我和蔡國強之前也在一些場合里見過面。在我買了這個作品后，古根海姆美術館辦蔡國強回顧展時要借出來展覽。但這個借展協議對我有些不利，當我還在猶豫的時候，在一個展覽中見到了蔡國強，他對我說‘大輔你一定要把這個作品借給古根海姆展啊’，所以我就同意了。”宮津大輔說。自從蔡國強在2008年北京奧運后名氣大升，但近年拍品數量并不多，在2007年佳士得秋拍上，蔡國強以“為APEC作的計劃”（14幅一組）締造7424.75萬港元成交紀錄。

收藏是他生命留存的方式

宮津大輔的藏品大多通過畫廊購買，他覺得美術界各有其職，畫廊有畫廊職能，藝術家有藝術家職能，他很少直接通過藝術家本人購買。“因為我不想與藝術家交流錢的問題，我覺得與藝術家有其他很多事情可以交流。”

除了基本的生活費、分期房貸、學費等生活必需的費用外，他其他的錢全用在藝術品收藏上了。沒錢雇傭顧問的他，只能自己逛美術館和畫廊，自己了解藝術家，發現藝術作品，是非常有趣的事情。他以住宅申請分期付款，是低利率可以長時間的通融資金，以便購買更多作品。